Philosophie pédagogique

« La technique n'est que le moyen d'atteindre une fin, l'outil à utiliser au service de l'interprétation artistique ».
Ivan Galamian


« Continuez ; ne pratiquez pas seulement votre art, mais forcez votre chemin dans ses secrets. L’Art mérite ça, car lui, ainsi que la connaissance, peuvent élever l'homme au Divin »

Ludwig van Beethoven


1. Objectifs généraux
En tant que pédagogue, il est de ma responsabilité de guider les étudiants vers une large compréhension musicale et culturelle, en transmettant mes propres expériences en tant que Konzertmeister, chambriste, Soliste et Recording Artist pour plusieurs firmes internationales, afin que les élèves puissent recueillir les informations sur les multiples facettes de notre profession.

Parce que les étudiants ont une vie estudiantine (et j'ose dire
sociale) très occupée, il est extrêmement important d’apprendre à maximiser la qualité de leur temps de travail, pour apprendre l'art de travailler.

Je vais encourager mes élèves à
fixer des objectifs et à organiser leur temps de travail avec sagesse, en établissant une approche intelligente, méthodique et efficace de l’apprentissage, et en organisant suffisamment de temps pour :
les travaux de base et les principes du jeu du violon ; modifier ou travailler sur les approches techniques de divers problèmes (en fonction des forces et des faiblesses individuelles), renforcer les fondations fondamentales violonistiques / techniques / musicales,
sensibiliser le corps et la posture ;
travailler vers une posture corporelle naturelle (libre, ouverte, détendue, libératrice) propice à une belle production sonore (j'ai plus de 10 ans d’expérience de Tai-Chi-Chuan et Chi Kung que je peux mettre à profit dans mon enseignement) ;
isoler les difficultés de la main gauche; le développement d'une conscience aiguë et l'attention à l'intonation, l'indépendance des doigts, le passage de travail, double stops, le déplacement, la coordination de l'impulsion rythmique avec l'archet, les aspects de vibrato, etc. ;
l'isolement des difficultés spécifiques d’utiliser l’archet; Perfectionnement de l'Art d’Archet dans toutes ses dimensions: production tonale, dynamique, techniques détachées, spiccato, cordes croisées, réalisation d'une palette tonale multidimensionnelle, un véritable legato, changements d'archet lisses et phrasé musical ;
travail de mémoire; étudier les partitions loin de l'instrument, créer un paysage sonore intérieur et une compréhension structurelle sont particulièrement utiles (de cette façon de nombreux doigtés et directions d’archet peuvent être choisis, et une compréhension architecturale de la musique peut commencer à être établie dans l'esprit avant même d'approcher l’instrument), l'exploration des concepts interprétatifs / stylistiques, l'observation de la structure musicale et harmonique et le respect de l'authenticité textuelle, le développement des aptitudes à la lecture visuelle (sight-reading) ;
le maintien et la construction du répertoire, laissant place au « 
performance time » et ainsi de suite….

Garder toujours à l'esprit
le but ultime de la musique : la réalisation (par une technique de plus en plus transcendantale) des qualités émotionnelles, expressives et spirituelles de la musique, en découvrant le « message » de la musique (dans les limites d'un style donné, selon les intentions du compositeur).


2. Attentes pédagogiques
En conjonction j’offrirai aux élèves des conseils constructifs et positifs pour l'accomplissement des exigences académiques du Conservatoire, y compris les examens et les récitals (et en assumant la responsabilité de préparer les élèves à regarder au-delà de leurs études, de créer et garder une vision pour eux-mêmes dans le «monde extérieur» et leur future vie professionnelle, qu'ils soient sans illusions sur les difficultés qu’ils vont rencontrer en créant sa carrière personnelle, j’encouragerai tous mes étudiants à explorer un large éventail du répertoire solo et de musique de chambre dans tous les styles, et encouragerai fortement les études dans le répertoire d'orchestre (en préparation aux auditions d'orchestre); se familiariser avec un vaste répertoire; non seulement pour l'instrument choisi : le violon, mais aussi en dehors de la littérature pour violon. C'est mon désir profond que tous les élèves étudient, écoutent et absorbent autant de musique que possible, de tous les styles, qu'ils aient une connaissance approfondie de la production totale de chaque compositeur et développent une idée forte et une compréhension du contexte historique du répertoire qu'ils jouent ou écoutent.

En dehors des leçons privées, je crois qu'il est d'une importance vitale pour mes étudiants de développer leur confiance en se produisant régulièrement en présence d'autres étudiants, à la fois en privé et en Masterclass, encourageant la discussion ouverte et les observations de tous les élèves. De cette manière, tout le monde apprend et profite (y compris l’enseignant !). De cette façon, l'individu motivé développe aussi des idées vers une philosophie d'enseignement.

J'encourage surtout les étudiants de niveau Master plus avancés à travailler avec des jeunes étudiants (Baccalauréat) et à transmettre des idées, des techniques et des méthodes de travail qu'ils ont adoptés, peut-être sous la supervision d'un assistant.

Il est également
essentiel que tous les élèves participent à une grande variété de groupes de musique de chambre, dès que possible, après être entrés dans ma classe ; apprendre des habiletés coopératives (travailler ensemble), d'écoute, et développer la souplesse dans la pensée et la musicalité et, encore une fois, apprendre les uns des autres.

En plus du développement de projet musicaux internationaux, je suggère que l'accent soit mis
sur l'étude de la musique belge, car il y a une merveilleuse gamme d'œuvres de haute qualité (généralement inconnues), à la fois les œuvres du début du XXe siècle, et des œuvres plus contemporaines. Ce serait une expérience importante et peut-être influente pour les élèves de jouer des œuvres de compositeurs « résidents », et peut-être, si possible, être entraîné par ce compositeur particulier.


3. Moyens pédagogiques et artistiques mis en œuvre
Mon professeur de violon au Peabody Conservatory of Music (Johns Hopkins University), Charles Libove, avec qui j'ai étudié pendant 6 ans, m'a dit quelque chose que je n'ai jamais oublié. Il dit : « Le meilleur enseignant est l'enseignant qui peut vous apprendre à s’enseigner soi-même », et, même si mon professeur est décédé il y a plusieurs années maintenant, j'apprends toujours de lui ; telle était la richesse de sa connaissance qu'il m'avait donnée, et je crois qu'il y a encore des germes de pensée qui attendent pour ressusciter à la vie.

En d'autres termes, cela signifie apprendre
à penser par soi-même. Il est souhaitable que les élèves développent un esprit curieux ; poser continuellement des questions. Souvent, ils trouveront la réponse dans leurs questions, sans mon aide. Personnellement, j'ai intégré tant de concepts et de connaissances de mes enseignants (ainsi que d'étudiants et de collègues professionnels), et, comme je l'ai souligné ici dans les paragraphes plus haut, c'est précisément cette connaissance que j'espère transmettre à mes élèves; de «passer la flamme», pour ainsi dire, de guider et de partager l'information, de développer une compréhension et une appréciation plus profondes des racines de notre art, de créer un environnement positif et énergique, nourrissant pour les étudiants : apprendre et grandir en tant que musiciens mais aussi en tant qu’individus profondément humains, qui peuvent éventuellement continuer la grande ligne d'apprentissage pour les générations futures des violonistes.

Composer un projet pédagogique / artistique général n'est pas une tâche facile, car il faut considérer que chaque élève a des forces et des faiblesses spécifiques qui nécessitent une attention particulière.
Quel que soit le niveau (Bachelor ou Master), il y aura très certainement des chevauchements que le talent (ou son absence) peut différer considérablement. Il n’y aura cependant jamais de substitut au travail acharné. Donc, un programme de « taille unique » n'est pas, à mon avis, la meilleure approche, et peut en fait être préjudiciable aux progrès de l’étudiant. Des gammes et études, par exemple, seraient bénéfiques à n'importe quel niveau d'étude, quel que soit le degré. Un style de répertoire particulier peut correspondre davantage à un musicien plutôt qu'un autre style. L'idée est de construire la force là où il y a une faiblesse. Cela ne peut être observé qu’avec le temps, pour chaque élève
une base individuelle.